Московский Продюсерский Центр — отзывы сотрудников о работе в компании

Здание[править | править исходный текст] Первые четыре сезона (1898—1902) театр давал спектакли в арендованном театре Я. В. Щукина «Эрмитаж», сада «Эрмитаж» в Каретном Ряду, в зале на 815 мест. Уже к третьему сезону стало ясно, что театру необходимо совершенно иное здание[5]. Зал Московского художественного театра после перестройки 1900—1903. Архитектор Фёдор Шехтель Вопреки театральной практике того времени, в МХТ к каждой премьере создавали новые декорации и не использовали старые. Оформление, которое уже не помещалось в театре, круглый год хранилось в сараях сада «Эрмитаж», где подвергалось быстрой порче. Его нужно было постоянно восстанавливать, от ряда деталей приходилось отказываться. Теснота, запущенное состояние театра, недостаток помещений для репетиций и работы мастерских требовали переезда в более вместительное здание с совершенно иным сценическим оборудованием[5]. Средств на строительство не было. Условия работы МХТ значительно отличались от императорских театров, которые не платили аренду и получали дотации от государства.

Эстрадный танец[править | править исходный текст] Эстрадный танец — «вид сценического танца, небольшая танцевальная сценка (танцевальная миниатюра), чаще развлекательного характера»[16]. Ритуальный танец[править | править исходный текст] Ритуальный танец Сама Кечак Народный танец[править | править исходный текст] Основная статья: Народный танец Фольклорный танец, который исполняется в своей естественной среде и имеет определённые традиционные для данной местности движения, ритмы, костюмы и тому подобное. Фольклорный танец — это стихийное проявление чувств, настроения, эмоций, выполняется в первую очередь для себя, а потом — для зрителя (общества, группы). Характерные особенности национальной культуры начали формироваться в далёком прошлом, это касается песен, танцев, одежды и даже причёски. У народов Западной Европы основой танцев являются движения ног при аккомпанировании рук и корпуса, а у восточных народов основное — это движения рук и корпуса. Первые танцы возникли как проявление эмоциональных впечатлений от окружающего мира. Танцевальные движения развивались также и вследствие имитации движений животных, птиц, а позднее — жестов, отражавшие определённые трудовые процессы (например, некоторые хороводы). При исполнении многих танцев танцовщики часто держат в руках народные музыкальные инструменты, бытовые аксессуары или оружие. Первоначальный танец, как и песня, выполнял магическую роль, поэтому среди календарно-обрядовых танцев сохранилось больше всего

Истоки[править | править исходный текст] Памятная табличка рядом с Музеем и Залом Славы Рок-н-ролла в Кливленде, Огайо Рок-н-ролл явился результатом синтеза различных стилей американской музыки. В 1950-х годах белые и черные музыканты американского Юга стали смешивать ритм-энд-блюз, буги-вуги, кантри и госпел, добиваясь нового звучания. Билл Хейли использовал афроамериканский сленг и ритмы буги-вуги в своих ритмичных песнях, построенных на кантри с примесью джаза и буги-вуги. Происхождение термина[править | править исходный текст] Считается, что музыкальный термин «рок-н-ролл» был введён в обиход Аланом Фридом, энергичным диск-жокеем из Кливленда, много сделавшим для популяризации новой музыки, которая в то время встречала достаточно широкий отпор со стороны консервативного общества США. Рок-н-ролл явился первым стилем в современной популярной музыке, развитым и играемым наравне как белыми, так и афроамериканскими исполнителями, что в итоге привело к частичному снижению расовой накалённости тех лет (при том, что этот жанр был сугубо аполитичным). Помимо песен, изначально написанных в новом стиле, ранние исполнители рок-н-ролла также исполняли народные песни, старые блюз, кантри и джаз-композиции, придавая им стилистику рок-н-ролльного звучания. Ранние записи[править | править исходный текст] В 1949 году афроамериканский исполнитель Вайнони Харрис[en] записал песню под названием «All She Wants to Do Is Rock», где было употреблено слово «рок-н-ролл» в отношении к музыке. Несмотря на то, что сложно чётко обозначить временное начало стиля, исследователи часто отдают первенство первого рок-н-ролла песне «Rocket 88», записанной в марте 1951 года ритм-н-блюзовой группой Айка Тёрнера[3]. Первым рок-н-роллом также называют песню «The Fat Man» Фэтса Домино[4][5], с её чётким ритмом буги-вуги и фальцетным скэтом между куплетами; «Rock the Joint» (1952) и «Rock Around the Clock» (1954) Билла Хэйли; «That’s All Right, Mama» (1954) Элвиса Пресли.

История создания[править | править исходный текст] Началом Художественного театра считается встреча в ресторане «Славянский базар» 19 июня 1897 года уже известного к тому времени театрального деятеля, актёра и режиссёра Константина Сергеевича Станиславского и опытного педагога и драматурга Владимира Ивановича Немировича-Данченко. В ходе этой встречи была сформулирована программа нового театра, в целом основанная на тех же новаторских принципах, которые проповедовали парижский «Свободный театр» Андре Антуана и берлинская «Свободная сцена» Отто Брама: ансамблевости, подчинения всех компонентов спектакля единому замыслу, достоверности в воссоздании исторического или бытового антуража[1]. «Мы протестовали, — писал К. С. Станиславский, — и против старой манеры игры… и против ложного пафоса, декламации, и против актерского наигрыша, и против дурных условностей постановки, декораций, и против премьерства, которое портило ансамбль, и против всего строя спектаклей, и против ничтожного репертуара тогдашних театров»[2]. «Общедоступность» нового театра предполагала в первую очередь невысокие цены на билеты; поскольку найти необходимые средства не удавалось, решено было обратиться за субсидиями в Московскую городскую думу. Немирович-Данченко представил в Думу доклад, в котором, в частности, говорилось: «Москва, обладающая миллионным населением, из которого огромнейший процент состоит из людей рабочего класса, более, чем какой-нибудь из других городов, нуждается в общедоступных театрах».

История постановок[править | править исходный текст] Question book-4.svg В этой статье не хватает ссылок на источники информации. Информация должна быть проверяема, иначе она может быть поставлена под сомнение и удалена. Вы можете отредактировать эту статью, добавив ссылки на авторитетные источники. Эта отметка установлена 16 июля 2012. После окончания эпохи английского Ренессанса и до 1840 года «Сон в летнюю ночь» ни разу не был поставлен полностью, существовав лишь в сильно упрощённых адаптациях. В 1692 году увидело свет музыкальное переложение пьесы авторства английского композитора Генри Пёрселла «Королева фей». В 1840 году английская актриса Лусия Элизабет Вестрис, первая женщина-антрепренёр и режиссёр в Англии, поставила в Ковент-Гардене относительно полную версию «Сна», добавив, однако, в пьесу значительное количество музыкальных и балетных номеров. Сама Лусия исполнила роль Оберона, чем положила начало театральной традиции (просуществовавшей семьдесят лет), согласно которой роли Оберона и Пака исполняли женщины. Музыкальное сопровождение к пьесе написал в 1826 году Феликс Мендельсон (в то время ему было семнадцать лет). Его музыка звучала в постановках «Сна» до конца XIX века. В начале двадцатого столетия публика начала высказывать недовольство излишне масштабным спектаклем. Тогда режиссёр-новатор Харли Гренвиль-Баркер предложил в 1914 году совершенно свежий взгляд на постановку пьесы: он сократил количество занятых в спектакле актёров и убрал музыку Мендельсона, заменив её народной музыкой эпохи королевы Елизаветы. Громоздкие декорации уступили место незатейливому набору узорчатых занавесов. Всё это помогло пьесе стать понятнее и доступней. В 1970 году режиссёр Питер Брук решительно отмёл все театральные традиции «Сна» и поставил пьесу на пустой белой сцене. Он ввёл в пьесу акробатические номера на трапециях и первым предложил использовать для ролей Тезея/Оберона и Ипполиты/Титании одних и тех же актёров, показывая, таким образом, что мир фей и эльфов — всего лишь отражение мира людей. В 1990 английский фантаст Нил Гайман опубликовал комиксную версию «Сна», иллюстрированную художником Чарльзом Вессом, в своём комикс-сериале «The Sandman».

История[править | править исходный текст] Происхождение казино датировать достаточно сложно. Практически в каждой культуре присутствуют упоминания об игорных заведениях: в азартные игры играли в Древней Греции и Риме, в Английской республике и наполеоновской Франции. В Китае, например, были найдены упоминания о игровых заведениях, действовавших в 2300 году до н. э. Первым казино, появившимся в Европе считается Il Ridotto, открытое в 1638 году в Венеции. По приказу правительства в левом крыле церкви Сан-Моизе был открыт игорный дом с целью контроля азартных игр, проходящих во время большого весеннего карнавала. В Il Ridotto был введен строгий дресс-код и высокие ставки для того, чтобы ограничить круг игроков представителями аристократии. Следующим этапом в развитии игорных заведений считается 1765 год. По распоряжению кардинала Джулио Мазарини для пополнения казны Людовика XIV во Франции было открыто казино. Примерно в этот же период во Франции появились первые столы для игры в рулетку. Рулетка, изобретение которой приписывают попеременно Блезу Паскалю и Франсуа Блану, достаточно быстро завоевала Европу — уже в 1780 году практически ни один игорный дом не мог обойтись без неё. К 1850 году появляется несколько крупных игорных заведений в Великобритании, Германии, Италии. На протяжении этого периода правительства несколько раз вводят запреты на азартные игры. В 1873 году практически все казино в Европе закрываются, Монте-Карло, на который запреты не распространяются становится столицей азартных игр. В США первые игорные заведения появляются лишь в начале XIX века. Центром азартных игр становится сначала город Новый Орлеан[1], после — Сент-Луис, Чикаго и Сан-Франциско. Роль казино выполняют салуны. Азартные игры начинают процветать, особой популярностью пользуется блэкджек и покер. Приход к власти президента Эндрю Джексона и его запрет на существование игорных заведений почти на десять лет наделяет большинство казино нелегальным статусом. К началу XX века запрет на игорный бизнес вступает в силу практически во всех штатах. Исключением оказывается Невада, в Лас-Вегасе и Рино начинают строить игорные дома. Игорные заведения перемещаются на Кубу, где основными посетителями были граждане США .

Язык[править | править исходный текст] Основная статья: Итальянский язык Основная статья: Языки Италии Государственный язык — итальянский, принадлежит к романской группе языков индоевропейской семьи. Также в Италии существуют различные диалекты итальянского. Принято делить все диалекты на диалекты Севера, Центра и Юга. Современный итальянский язык можно назвать диалектом, которому удалось «сделать карьеру», он широко используется в общественно-политической жизни. В то же время, на флорентийском диалекте больше говорят не о политике, а о культуре, как и величайшие люди искусства, родившиеся во Флоренции — Данте Алигьери, Джованни Боккаччо. Немецкий язык официально признан равноправным с итальянским в Больцано и Южном Тироле, словенский имеет региональный статус в Гориции и Триесте, французский — в долине Аоста. Вооружённые силы[править | править исходный текст] Основная статья: Вооружённые силы Италии Ambox outdated serious.svg Информация в этой статье или некоторых её разделах устарела. Вы можете помочь проекту, обновив её и убрав после этого данный шаблон. К вооруженным силам Италии относятся: армия, флот, воздушные силы, карабинеры. С 1 января 2005 года воинская повинность отменена. До этого призывной возраст в Италии начинался с 18 лет, срок службы составлял 10 месяцев. Боеспособное население (мужчины): 15—49 лет − 14 248 674 на 2001 г; Боеспособное население (мужчины): соответствуют военной службе 15—49 лет — 12 244 166 на 2001 г; Военные трудовые резервы (достигают призывного возраста ежегодно): 304 369 человек на 2001 год; Военные расходы: $20,7 млрд, что составляет 1,7 % ВВП. В Италии принят закон об отмене воинской повинности и создании профессиональной армии. Молодые люди, родившиеся после 31 декабря 1985 года, больше не подлежат призыву в армию. Формально в новом законе речь идет только о приостановлении воинской повинности, поскольку статья 52 Конституции Италии предусматривает, что «защита Отечества является священным долгом гражданина». Таким образом, в случае начала войны или возникновения иной экстренной ситуации, практика призыва на воинскую службу может быть возобновлена. Тем не менее очевидно, что Рим взял курс на создание профессиональной армии, численность которой к концу 2006 года должна составить 190 тысяч, то есть будет сокращена на 80 тыс. военнослужащих. Закон предусматривает для солдат пятилетнюю службу с возможностью дважды продлевать контракт на два года. Возможно также заключение контракта всего на один год.

Ранние годы[править | править исходный текст] Московский Художественно-общедоступный театр открылся 14 (26) октября 1898 года первой на московской сцене постановкой трагедии Алексея Толстого «Царь Фёдор Иоаннович». Спектакль был совместной постановкой К. Станиславского и Вл. Немировича-Данченко, заглавную роль в нём сыграл Иван Москвин. 26 января 1901 года состоялось юбилейное, сотое представление; в архиве Станиславского сохранилась запись: «Успех „Царя Фёдора“ был так велик, что сравнительно скоро пришлось праздновать его сотое представление. Торжество, помпа, восторженные статьи, много ценных подношений, адресов, шумные овации свидетельствовали о том, что театр в известной части прессы и зрителей стал любим и популярен». 17 декабря 1898 года состоялась легендарная премьера чеховской «Чайки». Художественно-общедоступный рождался, по свидетельству Леонида Андреева, как «крохотный театрик», был «оригинален и свеж», одни его горячо хвалили, другие столь же горячо ругали[3]. «Но проходило время, — писал Андреев уже в феврале 1901 года, — всё глубже и глубже входил театрик в жизнь и, как острый клин, колол её надвое… Как-то незаметно из-за вопросов чистого искусства, вопросов специально театральных и иногда даже чисто режиссёрских стали показываться загадочные физиономии вопросов более серьёзного характера и уже общего порядка. И чем яростнее разгоралась брань, чем больший круг людей захватывала она, тем более и тем яснее Художественный театр претворялся в то, что он есть на самом деле — в символ…

Сон в летнюю ночь [править | править исходный текст]Материал из Википедии — свободной энциклопедии Текущая версия страницы пока не проверялась опытными участниками и может значительно отличаться от версии, проверенной 15 августа 2013; проверки требуют 15 правок. У этого термина существуют и другие значения, см. Сон в летнюю ночь (значения). Сон в летнюю ночь A Midsummer Night's Dream Издание Жанр: комедия Автор: Уильям Шекспир Язык оригинала: английский Год написания: 1594—1596 Wikisource-logo.svg Текст произведения в Викитеке «Сон в летнюю ночь» — комедия Уильяма Шекспира в 5 актах. Считается, что «Сон в летнюю ночь» была написана в промежутке между 1594 и 1596 годами. Не исключено, что Шекспир создал пьесу специально к свадьбе некого аристократа или к празднованию королевой Елизаветой I дня св. Иоанна Крестителя (в западной традиции, как и Иван Купала в русской, сопровождаемого фольклорными повериями). Содержание [убрать]

Теа́тр (греч. θέατρον — основное значение — место для зрелищ, затем — зрелище, от θεάομαι — смотрю, вижу) — зрелищный вид искусства, представляющий собой синтез различных искусств — литературы, музыки, хореографии, вокала, изобразительного искусства и других[1][2][3][4] и обладающий собственной спецификой: отражение действительности, конфликтов, характеров, а также их трактовка и оценка, утверждение тех или иных идей здесь происходит посредством драматического действия, главным носителем которого является актёр[2][5][6] Родовое понятие «театр» включает в себя различные его виды: драматический театр, оперный, балетный, кукольный, театр пантомимы и др.[2]. Во все времена театр представлял собой искусство коллективное; в современном театре в создании спектакля, помимо актёров и режиссёра (дирижёра, балетмейстера), участвуют художник-сценограф, композитор, хореограф, а также бутафоры, костюмеры, гримёры, рабочие сцены, осветители[7][1]. Развитие театра всегда было неотделимо от развития общества и состояния культуры в целом, — с особенностями общественного развития были связаны его расцвет или упадок, преобладание в театре тех или иных художественных тенденций и его роль в духовной жизни страны[2][3]. Содержание [убрать] 1 История театра 1.1 Античный театр 1.2 Европейский театр 1.2.1 Средневековье 1.2.2 Эпоха ренессанса 1.2.2.1 Драматический театр 1.2.2.2 Опера и балет 1.2.3 Последующая история 1.3 Театр Востока 1.4 Театр в России 2 Виды театра 2.1 Драматический театр 2.2 Опера 2.3 Балет 2.4 Театр кукол 2.5 Пантомима 3 Театральные фестивали 4 См. также 5 Примечания 6 Литература 7 Ссылки История театра[править | править исходный текст] Театр родился из древнейших охотничьих, сельскохозяйственных и других ритуальных празднеств, в аллегорической форме воспроизводивших явления природы или трудовые процессы[2]. Однако обрядовые действа сами по себе ещё не были театром: как считают искусствоведы, театр начинается там, где появляется зритель, — он предполагает не только коллективные усилия в процессе создания произведения, но и коллективное восприятие, и своей эстетической цели театр достигает лишь в том случае, если сценическое действие находит отклик у зрителей[4][2]. На ранних стадиях развития театра — в народных празднествах пение, танец, музыка и драматическое действие существовали в неразрывном единстве; в процессе дальнейшего развития и профессионализации театр утратил свой первоначальный синтетизм, образовались три основных вида: драматический театр, оперный и балетный, а также некоторые промежуточные формы[2]. Античный театр[править | править исходный текст] См. также: Мимы, Театр в Древней Греции, Римский театр и Театральное здание в классической Греции Древнегреческий театр родился из мистерий, посвященными богам — покровителям земледелия, в первую очередь Дионису: в ходе посвящённых ему празднеств хор «сатиров», одетых в козлиные шкуры, распевал песни (дифирамбы), содержание которых составляли мифы дионисийского круга. От хора сатиров произошло и слово «трагедия» (буквально — «песнь козлов»)[8]. Годом рождения мирового театра считается 534 г. до н. э., когда афинский поэт Феспид во время Великих Дионисий наряду с хором использовал одного актёра-декламатора[8]. Декламатор, которого в VI веке до н. э. называли «гипокритом» («ответчиком» или «комментатором»), мог вступать в диалог с хором, изображать по ходу повествования различных персонажей мифов, и таким образом к диалогу примешивались элементы актёрской игры. Позже Эсхил добавил к хору второго актёра-декламатора, а Софокл третьего, — в V веке до н. э. «гипокриты» уже могли общаться не только с хором, но и между собой, что сделало возможным драматическое действие, независимое от хора, и в результате — преобразование хора сатиров в драму[8]. В те времена существовали пьесы только двух жанров — трагедии и комедии. Писались они чаще всего на мифологические или исторические сюжеты. Все роли играли мужчины. Актёры выступали в огромных масках и на котурнах. Декораций не было. Женщины (исключая гетер) не всегда и не везде допускались на представления, особенно на комедию, и сидели, как правило, отдельно от мужчин. В Греции профессия актера считалась престижной, а в Риме — позорной (поэтому выступления Нерона так шокировали его приближённых). Знаменитые драматурги того времени: Эсхил, Софокл, Еврипид, которых называют отцами греческой трагедии, Аристофан — отец комедии. В Риме можно отметить Плавта комедиографа и Сенеку, который обрабатывал произведения Еврипида.

МХТ был учреждён в форме товарищества на паях, где впервые в театральном деле предприятие принадлежало не труппе, а 13 пайщикам, среди которых театр представляли Станиславский и Немирович-Данченко. Пайщики принимали решения на общих собраниях, обладая неравным количеством голосов, пропорционально финансовому вкладу; наиболее значительный вклад принадлежал меценату Савве Морозову, который наряду со Станиславским и Немировичем-Данченко определял всю деловую деятельность МХТ, а к 1902 году полностью взял на себя финансирование театра и заботы по аренде, реконструкции и оборудованию нового здания[5]. Купить паи в три тысячи рублей было предложено также «вызывающим доверие» актёрам, в их числе — О. Л. Книппер; В. Э. Мейерхольд и А.А. Санин-Шенберг, которых обошли при раздаче паёв через год покинули театр. Морозов предложил также А. П. Чехову стать пайщиком и получил его согласие, когда пообещал, что в качестве взноса будет зачтён долг Коншина Чехову за имение Мелихово. С осени 1902 года театр начал работать в здании в Камергерском переулке. Театр домовладельца Лианозова был перестроен на средства Саввы Морозова архитектором Фёдором Шехтелем, при участии Ивана Фомина и Александра Галецкого, за три летних месяца 1902 года. Проект реконструкции Шехтель выполнил безвозмездно: он отказался обсуждать вопрос оплаты ещё на стадии переговоров. Оформление интерьеров, освещение, орнаменты, эскиз занавеса со знаменитой эмблемой Художественного театра, — летящей над волнами чайкой, также принадлежит Шехтелю. Правый подъезд театра украшает гипсовый горельеф Анны Голубкиной «Волна».

Московский Художественный театр [править | править исходный текст]Материал из Википедии — свободной энциклопедии Запрос «МХТ» перенаправляется сюда; см. также другие значения. Эта статья — об MXT/МХАТе до конфликта 1987 года, который привёл к образованию двух разных театров. Об МXT им. А. П. Чехова («ефремовском») см. Московский Художественный театр имени А. П. Чехова; об МХАТ им. М. Горького («доронинском») см. Московский Художественный академический театр имени М. Горького. Координаты: 55°45′36″ с. ш. 37°36′48″ в. д. (G) (O) (Я) Показать географическую карту Московский Художественный театр, МХАТ СССР им. Горького MHAT Logo.gif Прежние названия Художественно-общедоступный театр Основан в 1898 году Художественный руководитель К. С. Станиславский, Вл. И. Немирович-Данченко, О. Н. Ефремов Московский Художественный театр, МХАТ СССР им. Горького на Викискладе Московский Художественный театр — драматический театр, основанный в 1898 году К. С. Станиславским и Вл. И. Немировичем-Данченко. Первоначально назывался Художественно-общедоступный театр. С 1901 года — Московский Художественный театр (МХТ), с 1919 года — Московский Художественный академический театр (МХАТ), с 1932 года — МХАТ СССР им. М. Горького. В 1987 году разделился на два театра, взявших себе официальные наименования — Московский Художественный академический театр им. М. Горького, (сокращённо МХАТ имени М. Горького) и Московский Художественный академический театр им. А. П. Чехова (МХАТ им. А. П. Чехова).

Здание театра, построенное архитектором Дж. Пьермарини, было одним из красивейших зданий в мире. Оно выдержано в строгом неоклассическом стиле и отличается безукоризненной акустикой. Художественная отделка зрительного зала сочеталась с удобным расположением мест в нем и соответствовало всем строжайшим требованиям оптики. Здание театра равнялось 100 метрам в длину и 38 — в ширину. В середине фасада возвышался портал для въезда карет с дамами и их кавалерами. Зал имел форму подковы. В нем было пять ярусов лож и галерея. Лож было всего 194 (еще и королевская ложа). В каждой ложе помещалось от 8 до 10 человек. Все ложи были связаны между собой коридором. За ним следовал второй ряд лож, в котором располагались столы для карточной игры и торговли напитками. Сцена театра была довольно невелика. В партере первоначально не было кресел — их заменяли складные и передвижные стулья. Освещение было довольно скудным. В ложах зажигали свечи, а те, кто сидел в партере, не рисковали снимать своих шляп и прочих головных уборов, так как на них капал расплавленный воск. Отопления в театре не было. Но зал театра был чудесным — выполнен в белых, серебряных и золотых тонах. В этом чудесном зале происходило все — от балов до азартных игр и корриды. Здание театра стоило Милану около 1 миллиона тогдашних лир. Расходы распределили между собой 90 аристократов города. Здание театра не раз реставрировалось.

Рабочее самоуправление [править | править исходный текст]Материал из Википедии — свободной энциклопедии Социализм Red flag waving.svg Идеи Эгалитаризм Смешанная экономика Общественная собственность Демократия Влияния Марксизм Анархизм Плановая экономика Внутренние течения Русский социализм Марксизм-ленинизм Демократический социализм Социал-демократия Социализм XXI века Либертарный социализм Религиозный социализм Ведический социализм Христианский социализм Исламский социализм Буддийский социализм Африканский социализм Арабский социализм Меланезийский социализм Аграрный социализм Экосоциализм Рабочее самоуправление [шаблон] Рабочее самоуправление, плакат, Буэнос — Айрес Рабочее самоуправление, самоуправление или рабочий контроль— форма организации трудового процесса, при котором коллектив самостоятельно принимает ключевые решения по работе предприятия. Самоуправление — черта многих моделей социализма. Предложения по самоуправлению появлялись много раз на протяжении истории социалистического движения, по-разному трактуясь рыночными социалистами, коммунистами и анархистами[1]. Менеджеры (управленцы, вообще, как часть персонала) полностью ликвидированы на таком предприятии, поскольку, как правило, именно они доводят ситуацию в данном учреждении до стадии объявления банкротства с вероятностью полного сокращения рабочих. Здесь, как ответ на такую форс-мажорную ситуацию, коллектив применяет смелый нетривиальный ход. Игнорируя указания сверху на признание (или близость к таковому) банкротства предприятия, служащие продолжают трудиться. Причём, тогда как, казалось бы, что без сотрудников управления на заводе должен начаться хаос и всё рухнет за неделю, происходит неожиданная вещь.

Проснувшись утром в понедельник, ничего не соображая, я тащу своё бренное тело в ванну, ну вы поимаете, да? А дальше меня ждёт порясающий сытный завтрак. В 7.00 я выхожу из дома и почапал в офисные помещения, которые базируются на основе несгораемой можификации стен. Каждый прошедший этот путь сопсобен на многое, что нельзя было даже близко предугадать раньше. Нас ждут великие открытия, когда мы достигаем северное проходной Адмиралтейских Верфей. Джонбанейкен как то раз за столом сказал: отличный стейк господа! С тех пор разум стал жить собственной жизнью, независимо от тела. Капитуляция стран восточной Африки была слишком скоропостижной так, что спектакль пришлось перенести на по года вперёд.

Репертуар[править | править исходный текст] См. также Спектакли Московского Художественного театра В период 1898—1905 годов Художественный театр отдавал предпочтение современной драматургии; наряду с трагедиями А. К. Толстого — «Царь Фёдор Иоаннович» и «Смерть Иоанна Грозного», со Станиславским в главной роли, программными для театра стали постановки пьес А. П. Чехова («Чайка», «Дядя Ваня», «Три сестры», «Вишнёвый сад», «Иванов») и А. М. Горького («Мещане», «На дне»), который именно по настоянию основателей МХТ обратился к драматургии. Однако написанные в 1904 году «Дачники» в театре поставлены не были: Станиславский и Немирович-Данченко, по словам И. Соловьёвой, «были озадачены нарочитой поверхностностью новой пьесы, её прямой политизированностью»[6]. Поставив в 1905 году пьесу «Дети солнца», театр в дальнейшем на протяжении почти трёх десятилетий к драматургии Горького не обращался[6]. Финальная сцена «Гамлета» Г. Крэга, 1911 год Заметное место в репертуаре Художественного театра занимали и современные зарубежные драматурги, прежде всего Г. Ибсен и Г. Гауптман[2]. В дальнейшем театр всё чаще обращался к отечественной и зарубежной классике: Пушкину, Гоголю, Л. Толстому, Достоевскому, Мольеру и др. В 1911 году Гордон Крэг поставил на сцене МХТ шекспировского «Гамлета» с Василием Качаловым в главной роли. М. Горькому в этот период театр предпочитал Леонида Андреева.

Итак на дворе 2013 год, я уже год в компании и могу сделать некоторые выводы понаблюдав ситуацию изнутри.За год много ребят приходило в компанию с целью срубить на легке немного денег и при этом безо всякого желания прилагать какие-либо усилия со своей стороны. Не удивительно, что никто из них не заработал тех денег, что зарабатывают ребята, которые приняли для себя решение работать и развиваться в компании. Компания "Премьера", точно так-же как и любая другая компания - это не проходной двор, здесь не заработаешь денег, если у тебя исключительно потребительское отношение к жизни. Ни одна из организаций не виновата в ваших пороках, уважаемые авторы негативных отзывов!

Гейман, Нил [править | править исходный текст]Материал из Википедии — свободной энциклопедии Текущая версия страницы пока не проверялась опытными участниками и может значительно отличаться от версии, проверенной 21 июля 2013; проверки требуют 13 правок. Question book-4.svg В этой статье не хватает ссылок на источники информации. Информация должна быть проверяема, иначе она может быть поставлена под сомнение и удалена. Вы можете отредактировать эту статью, добавив ссылки на авторитетные источники. Эта отметка установлена 13 мая 2011. В Википедии есть статьи о других людях с такой фамилией, см. Гейман. Нил Гейман Neil Gaiman Gaiman, Neil (2007).jpg Нил Гейман в 2007 году Имя при рождении: Neil David John Gaiman Дата рождения: 10 ноября 1960 (53 года) Место рождения: Портсмут, Великобритания Гражданство: Великобритания Род деятельности: писатель сценарист Годы творчества: 1980-е — настоящее время Направление: фантастика Жанр: фэнтези, мистика, ужасы Премии: Премия Хьюго, Премия Небьюла, Премия Брэма Стокера, Медаль Джона Ньюбери, Премия Локус http://www.neilgaiman.com/ Commons-logo.svg Нил Гейман на Викискладе Нил Дэвид Джон Ге́йман (англ. Neil David John Gaiman; 10 ноября 1960, Портсмут, Великобритания) — английский писатель-фантаст, автор графических романов и комиксов, сценариев к фильмам. К самым знаменитым его работам относятся: «Звездная пыль», «Американские боги», «Коралина», «История с кладбищем», серия комиксов «Песочный человек». Гейману присуждены многие награды, включая премию «Хьюго», премию «Небьюла», премию Брэма Стокера, медаль Ньюбери.

Направления и стили танца[править | править исходный текст] Балет[править | править исходный текст] Основная статья: Балет Балет Балет(от ballare — танцевать) — так называются сопровождаемые музыкой театральные представления, в которых действующие лица посредством мимических движений и танцев выражают различные характеры, мысли и страсти. Балет является сценическим танцем, то есть он предназначен для зрителей, в отличие от бального (бытового) танца, который изначально был предназначен для самих танцующих. Балет принадлежит к разряду пластических искусств, основные элементы которого: танцы, пластика и мимика. Балет есть своего рода драма, при живого слова выраженная в грациозных или выразительных движениях, игре лица, красивых жестах, наконец, в танцах. Начало балета теряется в глубокой древности. У древних народов танцами сопровождались их религиозные торжества. До XIII века танцевали в латинских и греческих церквях, до сих пор танцуют в религиозных процессиях как на Востоке, так и в Испании и Португалии. Балет у греков всегда сопровождал их комедии и трагедии, хотя общей связи с главным действием не имел, а был только дивертисментом. У римлян существовали религиозные пляски в честь Марса. Ни у греков, ни у римлян балет не имел самостоятельного значения, а являлся интермедией в драматических зрелищах. С падением Рима балетное искусство замирает на тысячу лет и возрождается только к концу XV и началу XVI веков в Италии. Когда во Франции появилась опера, то балет вошел в ее состав. До 1681 года женские роли в балете исполнялись мужчинами, только в балете Кино "Триумф любви" в первый раз в появились четыре миловидных танцовщицы.[13] ДО 16 века сценический танец входил в зрелища в качестве интермедий. Первые спектакли, имеющие сюжет, были показаны во Франции во 2-й половине 16 века (например, "Комедийный балет королевы" Б. Бальтазарини, 1581). В это время балет ещё не отдеялся от оперы. В спектаклях, демонстрировавшихся при дворе, участвовали придворные. Позже появились профессиональные танцовщики, что вызвало развитие техники танца. К концу 17 веке были регламентированы тематика и форма балетного спектакля, разработаны виды театрального танца классического балета. Благодаря достижениям балета как во Франции, так и в России появился романтический балет, черты которого проявились уже в 1820-х годах в работах Ш. Дидло, А. П. Глушковского. Романтический балет окончательно сформировался во Франции в 1830-х годах, это стало величайшим достижением хореографического искусства 19 века. Лучшее произведение этого направления — "Жизель" Адана.[14] К концу 20 века большинство молодых хореографов в основном не разрабатывали ресурсы классического танца, а предпочитали смешение разных танцевальных систем. Так как стало больше знающих учителей, танцовщики стали получать лучшую подготовку. Сравнительно новая область медицины, танцевальная, улучшила технику предохранения от травм. В то же время имеется проблема приобщения танцовщиков к музыке, не хватает разнообразия стилей, во многих странах обучение музыкальной грамоте стоит на низком уровне, регулярно используются фонограммы. В последние десятилетия 20 века стали проводится балетные конкурсы, первый из них в Варне (Болгария) в 1964 году. Они привлекательны не только премиями, но и возможностью показаться судьям, которые представляют самые престижные в танцевальном мире организации.

Биография и творчество[править | править исходный текст] Нил Гейман родился 10 ноября 1960 года в городе Портсмут (Великобритания). В 1984 году он закончил своё первое произведение — биографию группы Duran Duran. В то же время он работал журналистом и занимался подготовкой интервью для различных британских журналов. В конце 1980-х годов вышла его книга «Don’t Panic: The Official Hitchhiker’s Guide to the Galaxy Companion» о писателе Дугласе Адамсе и его книге «Автостопом по галактике». Гейман написал множество комиксов для нескольких издателей. Его отмеченная наградами серия The Sandman рассказывает о Морфее — антропоморфной персонификации Сна. Серия началась в 1989 и была закончена в 1996: 75 выпусков обычной серии, специальный выпуск и два рисованных рассказа собраны в 10 томов и до сих пор остаются в печати. В 1996 Гейман и Эд Крамер составили антологию «The Sandman: Book of Dreams», в которую вошли произведения Тори Эймос, Клайва Баркера, Тэда Уильямса, Сюзанны Кларк и других авторов. Антология была номинирована на British Fantasy Award. Также в качестве приглашенного автора работал над одним из выпуском комикса «Спаун» и минисерией про одного из персонажей этой вселенной, после чего судился с основным создателем комикса, который самовольно использовал придуманных Гейманом героев. В 1990 году вышел роман «Благие знамения» (англ. «Good Omens»), который Гейман написал в соавторстве с известным английским писателем Терри Пратчеттом. В 1991-1997 годах Гейман написал роман-сказку «Звёздная пыль», который в 1999 году был удостоен премии Mythopoeic Award. В 2007 году на экраны вышла экранизация романа — фильм режиссёра Мэттью Вона «Звёздная пыль». Самый известный роман Нила Геймана — «Американские боги» был издан в 2001 году, сразу заслужил признание критиков и удостоился нескольких престижных премий, в том числе премий «Хьюго» и «Небьюла». Гейман является сценаристом нескольких фильмов: мини-сериала «Neverwhere», сценарий которого лег в основу одноименного романа (в России издавался в двух вариантах перевода под названиями «Задверье» и «Никогде»). полнометражного фильма «Беовульф» режиссёра Роберта Земекиса. эпизода «День Мертвых» фантастического сериала «Вавилон 5». экранизации собственного романа «Зеркальная маска». мультипликационного фильма «Коралина в Стране Кошмаров» по одноименному роману Нила Геймана (вышел на экраны в феврале 2009 года)[1]. двух эпизодов культового[2][3][4][5][6][7][8][9][10] британского телесериала «Доктор Кто»: («Жена Доктора» (The Doctor’s Wife), сезон 6, а также («Кошмар в серебряных тонах» (Nightmare in silver), 7 сезона.

С добрым утром, друзья, с добрым утром!!! Это я обращаюсь к тем, кто не имея ни образования, ни опыта за плечами, пришел на собеседование в агенство Премьера и очень недоволен, что ему не платят 50000 рублей за ничего неделание. С добрым утром!!! Я полагаю, что если Вы вчера закончили Парфеновский факультет ЛИТМО, Вы не ищете себе вакансию "секретарь", "представитель", "помощник" и т.п., а ВАС рвут на части ДИПы банков, заводов, пароходов :) Поэтому, друзья, давайте трезво оценивать себя и работу, которую Вам предлагают. Знаете, хорошим ПРОДАВЦАМ тоже неплохо платят в тех же банках, заводах, пароходах. Но надо стать хорошим продавцом. Научиться находить клиента, научиться предлагать продукт вежливо и терпеливо, научиться создавать рекламные компании. В общем, сделать так, чтобы клиент сам к тебе БЕЖАЛ. Тогда и в агентстве Премьера Вы будете не последним человеком, а скорее даже, Вас начнут рвать на части банки, заводы, пароходы.